DAVID PANTALEON. Aunque acaba de terminar el rodaje de Hombres de Leche, su primer largo, David Pantaleón (1978, Valleseco) lleva tiempo siendo considerado un maestro del cortometraje. Gracias a piezas como Hibernando (2011), La pasión de Judas (2014) o El Becerro Pintado (2017), su palmarés aumenta año tras año. Entre otros, ha ganado el Signis en el 61º Festival Internacional de Cortometrajes de Oberhausen (Alemania) o el Premio Richard Leacock al Mejor Cortometraje en el 14º Festival Internacional de Cine de Las Palmas. Con más de treinta piezas a sus espaldas, Pantaleón ha ido consolidando un estilo muy particular: planos frontales, coreografías teatrales y puestas en situación que se mueven entre lo absurdo y lo alegre, entre el humor y la reflexión. Pero, como en un juego por turnos, su obra sólo nos revela la primera mitad del chiste. El resto lo ponemos nosotros.

¿Cómo fue tu acercamiento al mundo del cine?
En realidad, mi acercamiento fue a través de las artes escénicas. Yo entendí que lo que quería era ser actor. También porque uno se vincula a lo que le atrae, y en el cine lo que te llama de primeras es a quién ves en la pantalla, es decir, el actor. Es una relación bastante infantil.

Después de salir del instituto en Teror, estudió arte dramático en la Escuela de Actores de Canarias. Cuando acabé, estuve trabajando con diferentes compañías de teatro, haciendo lo que podía o lo que me dejaban y, en ese juego, se cruzó por el camino El Festivalito [el Festival de las Estrellas de La Palma]. Al principio voy como actor, en estos elencos que cogen los directores que van al Festivalito para hacer sus piezas. Tras estas y otras experiencias, como cortometrajes de escuelas (con la Pompeu Fabra, por ejemplo, cuando viví en Barcelona), me digo: “ostias, al final estoy poniendo la cara en algo aleatorio en lo que tengo que encajar, y que no sé cómo va a salir ni está en mi mano gestionar hacia dónde va”. Entonces me doy cuenta de que para estar esperando las ideas de otros, prefería embarcarme en mis propias ideas. Y ahí redescubro el Festivalito, un festival de cine express donde, con un ordenador, una cámara y mucho ánimo se pueden sacar cosas.

¿Qué crees que te ha dado tu formación actoral a la hora de dirigir?
Pues una visión bastante teatral o performativa de mi propio trabajo, donde las narrativas son menos convencionales, cercana quizás al teatro de vanguardia, contemporáneo… Me puede haber dado una perspectiva más abierta, además de mayor conciencia sobre el valor del trabajo creativo y en equipo, y de la fragilidad e importancia del trabajo con el actor y el no actor.

En un principio, las piezas que hacemos al iniciar nuestra andadura son como: “voy a contar una historia que se entienda y que juegue con el espectador, que lo lleve a un sitio y, al final, damos un giro y lo sorprendemos”. El corto estándar. Después he ido evolucionando. Yo además soy muy pesado, quizás ya llevo hechas treinta o cuarenta piezas. Y en esa evolución, he ido buscando más la experimentación y el juego con el propio espectador sobre lo que yo, como autor, sugiero.
Claro. Todos estos elementos que saquen al espectador de la comodidad habitual de: “oye, yo soy un voyeur viendo algo que no me mira a mí”. Cuando lo confrontamos con personajes que miran a cámara, frontalidad… Me parece muy guay la idea del aspecto lúdico, el juego. Al final, la comunicación es ese juego que yo te doy y tú me das. Es jugar a las adivinanzas o a los jeroglíficos, en una graduación determinada, claro: podemos irnos a la abstracción absoluta, o a juegos menos extremos. Pero es ahí donde me resulta interesante jugar.
Está claro que el actor formado está más armado de mecanismos y recursos para enfrentarse a determinadas cosas. Ahora, yo soy de la opinión de que, al final, el trabajo de dirección no deja de ser un trabajo de comunicación con el otro, de hacernos entender. Independientemente de si eres profesional o no, tienes que encontrar la forma de llegar al otro, de hacerte entender. Y luego, eso, cada persona es un mundo.