John Mayall, OBE (Macclesfield, Cheshire, 29 de noviembre de 1933) es un cantante, instrumentista (especialmente, guitarrista) y compositor británico de blues y pop-rock. Precursor de la invasión del blues inglés junto a Alexis Korner. En 1955 fundó su primer grupo, The Powerhouse Four; y posteriormente su más famosa banda: The Bluesbreakers, en la que contó con la colaboración de guitarristas como Eric Clapton, Peter Green y Mick Taylor. Su banda fue el alma máter de diversas formaciones posteriores. Mick Fleetwood y John McVie formaron parte de la banda y participaron en la grabación de A hard road, junto al guitarrista Peter Green, formando, tras dejar los Bluesbreakers, Fleetwood Mac.

The Bluesbreakers consiguió hacer magníficos discos en la década de los 60s como el famoso álbum Bluesbreakers en cuya portada aparece Eric Clapton, hojeando un ejemplar del comic Beano. Después de la salida de Clapton para formar el trío de blues-rock Cream, Mayall buscaría un nuevo guitarrista, Peter Green. Después de grabar con Green el disco A hard road, Green se marcha para formar Fleetwood Mac. Según el propio Mayall: "Un día, teníamos un concierto y no teníamos guitarrista, entonces apareció Mick Taylor". Mayall quedó alucinado con el joven guitarrista, pero terminó el concierto y Taylor se marchó. John lo buscó por por todos lados, hasta que consiguió localizar a Taylor y le ofreció el puesto de guitarra en su banda. Él y Taylor grabarían juntos el legendario Crusade, donde Taylor brilla con luz propia, y en 1969, el psicodélico Bare Wires. Taylor se iría después a sustituir a Brian Jones en los Rolling Stones. A partir de 1969 Mayall grabará los discos bajo su propio nombre. No obstante, ocasionalmente agrega el "and The Bluesbreakers", para sus músicos de apoyo, en discos y actuaciones. La banda deja definitivamente a existir en el 2008 y Mayall se rodea de otros músicos. En la carrera de John Mayall encontramos algunas etapas, claramente diferenciadas por el tipo de blues que ha hecho. Desde la segunda mitad de los cincuenta, en pleno auge del rock and roll, y andando su primer cuarto de siglo de vida, John Mayall hacía música en su natal Macclesfield (Manchester), con un grupo al que llamaba The Powerhouse Four. Luego, en 1962, formó The Blues Syndicate. En 1963 se marcha para Londres, donde apoyado por Alexis Korner formará The Bluesbreakers, literalmente "los rompe blues", el primer grupo con que hace historia.

Por entonces en Inglaterra está cogiendo forma una incipiente "movida blues", de la que unos muchachos llamados The Rolling Stones (por un blues de Muddy Waters) serán sus primeros representantes con éxito. Los Stones tienen el mérito de haber adaptado al pop británico el lenguaje del "Chicago sound", lo que impulsará la explosión del blues británico, y por mucho ayudará al desarrollo de la carrera de Mayall. Precisamente, las formaciones de los Bluesbreakers se corresponden al de las orquestas de este Chicago sound, integradas por guitarras eléctricas, bajo, batería, teclados y sección de viento, más harmónica, en ciertos casos Para la segunda mitad de los sesentas la escena musical británica se llena de artistas y grupos que mantienen con el blues relaciones más o menos cercanas. Paralelamente, en California, coge forma otra corriente musical, la que junto con la aparición del movimiento hippie, impregnan el aire con un nuevo "aroma", y abren nuevos horizontes para las artes y las ideas, lo que atrae a muchos músicos británicos, incluyendo a John Mayall. Además, desde la beatlemanía los músicos ingleses son muy apetecidos en norteamérica, más aún si hacen "música respetable", tal como es percibido el blues. Entonces, los grupos ingleses pasean el blues por las universidades, teatros y festivales de los EE.UU. Algunas bandas norteamericanas también hacen lo propio, y a fines de los sesentas la escena del blues pasa de Inglaterra a Norteamérica. Mayall acusa el cambio, y en 1968 se marcha para California. Tras pasar unas vacaciones en Laurel Canyon, en la casa de Bob "el oso" Hite, cantante y lider de los Canned Heat, prominente banda del blues en los EE.UU., Mayall se queda en ese pais (en homenaje a esos días, grabó "The Bear" (el oso), contando sus vivencias en las colinas de Laurel Canyon).

Sintonizado con las nuevas propuestas de amor y paz, entre 1969 y 1971 Mayall se decantó por un blues acústico, sin batería. Hace entonces un blues cálido y suave, con orientación hacia la movida hippie, representada por el uso de la flauta y la guitarra acústica. No obstante el predominio folky en esta etapa, Mayall no abandona del todo los estándares del blues más eléctrico. Además, le da un cierto tratamiento de jazz, acercándose bastante a la onda beatnik de los años cincuenta, y presagiando en algo lo que vendrá. Efectivamente, durante 1972 a 1974 fusionó el blues con el jazz, integrando su banda con músicos negros. Saca entonces un sonido tipo big band, con un marcado toque de swing y jump blues. Por supuesto, Mayall no es el primero, ni el último, en fusionar el jazz con el blues. Además, si bien con el tiempo el segundo ha delimitando su propia historia respecto del primero, también es cierto que entre el jazz y el blues sobreviven muchas aristas en común.

Y en el caso particular de Mayall, está el acceso que tuvo a la colección de discos de jazz de su padre, cuando muchacho (alrededor de 1946). Por eso, desde ya antes el sabor a jazz está presente a lo largo de su obra, cuando ha usado ocasionalmente una sección de viento. Para la segunda mitad de los setentas le agrega al blues sabores country y funky. Por entonces Mayall ya vive plenamente en California, y su blues se ha americanizado. Incluso, sucumbe un poco al sonido discoteca. El blues que ofrece Mayall por esta época está salpicado de los arreglos estándares del pop-rock americano, tipo del que hacen los nuevos Fleetwood Mac o los Eagles, de raíces country. También se nutre de la otra gran vena que entonces marca el desarrollo de la música popular en los EE.UU., esto es el funky-soul, del que orquestas como Earth, Wind & Fire y los Commodores son dignos representantes. Por supuesto, comparándolo con sus estándares anteriores, puede decirse que John Mayall se comercializa.

Sin embargo, sus nuevas exploraciones resultan muy interesantes, toda vez que las realiza con un trasfondo claramente blues. En ese sentido, es toda una nueva experiencia dentro del género. Mayall cerrará los setenta algo perdido en el torbellino de la música disco, lo que por cierto no fue ajeno a otros artistas, como los casos de Rod Stewart y The Rolling Stones, entre los más sonados, y con una larga trayectoria. A partir de los ochenta, Mayall retorna al sonido blues rock de los primeros Bluesbreakers. Y así se ha mantenido hasta ahora, por supuesto sin dejar de recordarnos ocasionalmente sus experiencias pasadas. Si bien sus más recientes discos adolecen de un cierto debilitamiento artístico, John Mayall aun mantiene unos estándares mínimos, que le aseguran la continuidad en el gusto de los amantes del blues. Por eso, sus discos aun son esperados, y sus conciertos aun son concurridos. Y considerando que siempre ha tocado el mismo tipo de música, el blues, revistiendolo cada vez de una envoltura distinta, al punto de en ocasiones volverlo irreconocible, logrando así además mantenerse en la escena durante cinco décadas, no es equivoco afirmar que John Mayall constituye una de las figuras más interesantes de la música profana del siglo XX.

Los padrinos son un Inglés de rock alternativo / nueva ola banda de Londres , Inglaterra , con fuertes influencias de R & B y el punk. Los padrinos fueron formados por Peter y Chris Coyne después de la desaparición de La Experiencia Sid Presley en 1985.  miembro Fellow Sid Presley, y actual padrino, Del Bartle pasó a formar The Unholy Trinity con el baterista Kevin Murphy.

After independent single releases produced by Vic Maile , and collected on their debut album , Hit By Hit , they signed to Epic Records in 1987. Extensive tours of the UK, Europe and the United States followed. Después independientes individuales comunicados producidos por Vic Maile , y se recoge en su debut álbum , Hit By Hit,  firmaron con Epic Records en 1987 Extensas giras del Reino Unido, Europa y Estados Unidos siguieron. Single and title track of their first album "Birth, School, Work, Death" made the US Billboard Top 40 in 1988  after college radio and MTV airplay but the band were less commercially successful in the UK. Sola pista y el título de su primer álbum   "Birth, School, Work, Death" hizo los EE.UU. Billboard Top 40 en 1988  después de la radio universitaria y MTV Airplay pero la banda tenía menos éxito comercial en el Reino Unido. Albums More Songs About Love And Hate  and Unreal World  followed, before the band left Epic and released two albums on German label Intercord in the 90s. Álbumes Más Songs About Love And Hate   y Unreal Mundial    seguido, antes de que la banda dejó de Epic y lanzó dos álbumes en el sello alemán Intercord en los años 90. The band ceased activity in 2000. In 2003 Peter Coyne and Kris Dollimore played briefly in a band called The Germans with Rat Scabies , formerly of The Damned . La banda cesó la actividad en el año 2000 En el año 2003 Peter Coyne y Kris Dollimore jugó brevemente en un grupo llamado Los alemanes con Rata Sarna , ex integrante de The Damned .

In 2008, the band reformed with its original line-up. En 2008, la banda se reunió con su formación original. In March 2009, the band announced a change with Del Bartle returning to replace Kris Dollimore. En marzo de 2009, la banda anunció un cambio con Del Bartle vuelta a substituir Kris Dollimore. Grant Nicholas later replaced George Mazur on drums, and Mike Gibson also left the band. Subvención Nicholas tarde reemplazó a George Mazur en la batería, y Mike Gibson también dejó la banda. In 2010 a live album 'Shot Live At The 100 Club' was released as a DVD/CD set on Secret Records . En 2010 un disco en directo 'Live Shot At The 100 Club "fue lanzado como un DVD / CD situado en Secret Records . 2011 saw the band release two download-only singles 'Back Into The Future' and 'The Outsider'. 2011 vio el lanzamiento de banda dos singles sólo descarga "de nuevo en el futuro 'y' The Outsider '. 'Primitive Man' followed the next year and all were included on their comeback album Jukebox Fury , released in 2013. Promotion for the album included a month long UK tour supporting The Stranglers . "El hombre primitivo 'siguió el próximo año y todos fueron incluidos en su álbum de regreso Jukebox Fury,   publicado en 2013 Promoción para el álbum incluyó una larga gira por Reino Unido el mes de soporte The Stranglers .  2014 saw a fresh line-up change, with two new guitarists replacing Del Bartle. 2014 se produjo un cambio de formación fresco, con dos nuevos guitarristas reemplazando Del Bartle.

SANDOKAN. Él es Manuel Sosa Medina, al que todos en Gran Canaria conocen cariñosamente como Sandokán (como el protagonista de la serie de novelas de aventuras escritas por el italiano Emilio Salgari) debido a la altruista labor que lleva a cabo desde hace años en la costa norte de la isla donde las peligrosas corrientes y el fuerte oleaje han forjado su leyenda, habiendo rescatado ya a más de 200 personas en apuros.
Fuente: lapescasubmarina.com. Hombre de mar desde la infancia, en realidad nació en el seno de una familia agrícola. Hasta que rompió con la tradición para vivir hermanado con el Océano Atlántico. Fuente: Sandokán, natural del Puertillo en Bañaderos (Arucas), cuenta que desde niño “el mar me llamaba. Siempre me escapaba del colegio, me venía al Puertillo y jugaba con los charcos de la playa, hacía barquitos y les ponía una vela. El profesor siempre me venía a buscar cuando más tranquilo estaba. Al final, fue el maestro quien, ya agotado, le dijo a mi padre que no tenía nada que hacer conmigo, que había nacido para dedicarme a la marea”, narra este amable hombre de largas barbas blancas, quien confiesa que se recrea admirando el mar y éste le da vida. “Pero tanto te da vida como te la quita”, apunta Sandokán.

Primer rescate

Manuel era un adolescente de tan sólo 15 años y “como siempre me había escapado del colegio. Estaba limpiando la playa y de pronto vi a una niña en apuros a la que un golpe de mar repentino no la dejó ni reaccionar, quedando atrapada por el oleaje”.  Sandokán no lo dudo ni un momento y en un instante arrastró su lancha por la arena sorteando las altas olas hasta alcanzar a la pequeña que flotaba inerte. Había perdido el conocimiento, la subió a la embarcación y comenzó a reanimarla. “Había tragado mucha agua, pero no tardó en reaccionar”, recuerda Sandokán, que relata cómo décadas después aquella niña menuda a la que salvó la vida volvió al Puertillo para agradecerle la heroica acción y presentarle a sus hijas. Desde entonces el altruismo de este lobo de mar ha sido incesante, colaborando con la Guardia Civil y Policía Local siempre que una situación difícil requiere de su destreza y habilidad, “ya que el mar no respeta a nadie”. Así, desde el último rescate tan sólo han transcurrido dos días. El pasado lunes, el cuerpo sin vida de José Miguel Santana desaparecido el viernes en Costa Ayala cuando un golpe de mar lo arrastró sin que nada se pudiera hacer por rescatarlo con vida, salió a flote prácticamente en la misma zona en la que el mar se lo tragó después de haber estado batallando 20 minutos, poco después de las 15.00 horas.

El cadáver, que salió a flote hasta en seis ocasiones, fue avistado de nuevo por familiares del fallecido que se encontraban en la zona. Éstos avisaron a Sandokán, que había hecho una pausa para almorzar y recuperar fuerzas junto con los miembros que participaban en las labores de rescate. “Yo supuse que el cuerpo estaría enterrado en el mismo lugar en el que se le vio por última vez, porque las corrientes eran muy fuertes y en estos casos el fango lo mantiene en las profundidades hasta que la fuerza del mar afloja”, sostiene Sandokán, que ya había advertido de la compleja situación a la familia. Entonces, tanto él como un compañero buceador de la zona, no dudaron ni un momento en acudir con su barco a intentar recuperar el cuerpo que estaba señalizado con una baliza luminosa.  “Fue una complicada labor ya que el cuerpo pesaba mucho y estaba descomponiéndose, pero al final pudimos subirlo a la barca”, explica Manuel, quien se mostraba aliviado al saber que dentro de lo trágico del suceso, los familiares podrán descansar al dar sepultura a Santana.


“El mar no tiene secretos, sólo hay que mostrarle respeto”

Jóvenes y mayores, lugareños y extranjeros, surfistas y pescadores, más de 200 personas deben la vida a este hombre recio al que todos ven como un héroe en el Puertillo.  Sandokán confiesa que el mar no tiene secretos ni amigos: “Únicamente hay que mostrarle respeto y no aventurarse cuando uno no conoce la zona”, explica.  “La gente busca el riesgo. Yo he advertido a muchos inconscientes del peligro del mar embravecido y después he tenido que ir a rescatarlos”. “En estos casos no se puede hacer nada, cada uno busca su destino”, afirma Sandokán, quien asegura que todas las situaciones de rescate que ha vivido son arriesgadas, “ya que si una persona está en apuros es porque la mar está mala”.

Una barquilla con historia

Manuel construía barcas con cajas de madera y se ganaba la vida vendiendo pescado, aunque siempre quiso tener una embarcación propia. Así, Sandokán que dio su propio nombre a la barca que lleva consigo 26 años, pidió al propietario de la ferretería de Bañaderos comprársela y prometió pagársela a plazos. Tardó en pagarla un año y ha tenido que ponerle varios motores que han sido cedidos por el senador popular, José Macías, y el último de éstos de mayor potencia y caballaje, por José Manuel Soria mientras estuvo al frente del Cabildo de Gran Canaria, la pasada legislatura. Desde entonces, cuando este humilde aruquense se hace a la mar para salvar a una persona, nunca piensa en su vida ni en su embarcación. Sandokán dice que “lo importante es realizar la acción y salvar la vida de la persona en riesgo. Me satisface la labor que hago, pero a veces me siento impotente cuando la gente pierde la vida en el mar”, confiesa Sandokán al recordar el caso de una muchacha de Teror que reanimó pero falleció a los 15 días en el hospital.
 Como reconocimiento a su labor, Sandokán ha recibido numerosas condecoraciones. Además de la calle que le otorgó su pueblo en El Puertillo, el Gobierno de Canarias le concedió una medalla de plata “por su impagable actuación en el rescate de vidas humanas en el mar”. Asimismo, el Ministerio de Interior le otorgó la medalla al mérito de la Protección Civil en su categoría de plata con distintivo rojo en 1991. También ha sido distinguido por el Rotary Club de Las Palmas de Gran Canaria, con el premio Humanidades José Joaquín Díaz de Aguilar 2006 y por varias asociaciones locales de distinta índole. La gaceta de Canarias

JUAN ANTONIO PEREZ, portero amarillo de la década de los setenta y ochenta. Rosendo Hernández, que entonces dirigía al Tudelano, pidió informes a la UD Las Palmas para la cesión de uno de sus guardametas. Pérez, joven valor en un grupo de notables compañeros que competían por el puesto, estaba disponible para una cesión. Y fue en la localidad navarra donde conoció a Gloria Almunia, su futura esposa, y donde dejó la semilla de sus posteriores raíces. No sabía entonces que Tudela iba a ser el centro de gravedad de su entorno familiar y de su vida profesional después del fútbol. Hoy, con los guantes guardados en el ático, Pérez comparte sociedad con otro ex futbolista, José María Lumbreras (Osasuna y Real Sociedad) regentando una negocio de prendas y material deportivo en el corazón de aquella población navarra. "Vendemos de todo, menos tablas de surf", señala tras dos década de oficio.

Pérez y Lumbreras tenían un nexo común, además del fútbol: las hermanas Almunia Alloza, con quienes crearon sus respectivas familias. De esta forma se conocieron y luego se asociaron. Se da la circunstancia curiosa de que la esposa de Pérez vive el ambiente balompédico por los cuatro costados. Su padre, Fernando Almunia, fue jugador del Tudelano. El padrino de su bautizo, Enrique Yarza, era portero del célebre Real Zaragoza de los cinco magníficos. Y el cuadro familiar lo redondea Manuel Almunia, hoy cancerbero del Arsenal londinense. Así que el fútbol se respira en todas las dimensiones en la residencia de la familia Pérez Almunia.

FICHAJE EN VACACIONES. El portero grancanario culminó su periplo en la UD Las Palmas en 1987. Recuerda que "estaba de vacaciones, en Logroño, y no había firmado la renovación con la Unión Deportiva Las Palmas. Tampoco había cobrado, pero el contrato estaba vencido. Se enteraron en el CD Logroñés de esta situación y, con 34 años de edad, me ofrecieron un contrato por dos temporadas para seguir en Primera División. Se lo expliqué a don Jesús (García Panasco), porque era una buena oportunidad para mí, que ya tenía ganas de acercarme a Tudela. Y en Las Palmas lo entendieron, algo que agradecí a nivel personal ese gesto".

LEJOS DEL FÚTBOL. A los 36 años, Pérez dijo "basta". Se retiró en Las Gaunas y en 1990 la tienda de deportes "con carácter familiar" echó a andar, mientras Lumbreras -ahora entrenador del Tudelano, rozando la pasada temporada el retorno a la Segunda B- aún seguía unas temporadas más en activo en la Real Sociedad. Los contactos de Pérez con el fútbol no se han perdido. Fue segundo entrenador del Tudelano, con Paco Romea al frente, y cuando Óscar Ruggeri fue a dirigir al Elche le tentó para que le asistiera. El portero conserva hoy un aspecto intachable. Casi parece que fue ayer cuando le vimos por última vez bajo una portería. No ha ganado peso, no se le aprecian canas (eso parece) y se siente feliz en tierras navarras. Su hija Ana, con 29 años de edad, ya está estabilizada como profesora de la Compañía de Jesús. Pérez no pierde la oportunidad de viajar a su tierra para veranear ni de estar constantemente observando qué es lo que hace en el campeonato de Liga su club, el de los colores eternos. "Hace tiempo que no he visto en directo al equipo. Pero sería impagable poderle observar otra vez en la categoría donde nos tenía acostumbrados. Eso espero".

Orishas era una banda cubana. La formaban Hiram Riverí Medina (Ruzzo), Yotuel Romero (Guerrero) y Roldán González Rivero. En principio Yotuel y Ruzzo eran dos cubanos que salieron de La Habana como parte de un intercambio escolar a París; allí se unieron a Roldán y a Flaco-Pro que, con el productor francés Niko Noki, habían formado el grupo Orishas desde hacía algunos meses, y así formaron la banda en 1999. Ruzzo y Yotuel rapeaban en Amenaza, banda pionera del hip-hop cubano; Roldán cantaba música tradicional cubana en el grupo Rico Son. Algunos amigos se quedaron en el camino, pero el poderío de la idea inicial fue la fuerza que les hizo seguir adelante: mezclar hip-hop con música tradicional cubana. Como curiosidad, sus integrantes viven repartidos por Europa (Roldán en París, Ruzzo en Milán y Yotuel en Madrid). Orishas ha vendido con todos sus CD más de 750.000 copias en Europa, ha ganado dos Grammys.^{[cita requerida]} Son los representantes por excelencia del hip-hop cubano en el mundo. El grupo, en algunos de sus temas se inclina por la critica social como se señalan en el tema "el kilo" del mismo disco y a la igualdad social En 2007, hicieron un dueto con el grupo puertorriqueño Calle 13, en la canción llamada "Pal Norte". La canción ganó un Grammy Latino como Mejor Canción Urbana.

Mercedes Sosa " LA NEGRA, LA VOZ DE AMERICA "

(Tucumán, 9 de julio de 1935 - Buenos Aires, 4 de octubre de 2009) conocida como La Negra Sosa o La Voz de América, fue una cantante de música folclórica argentina reconocida en América, Europa, Israel y Asia Oriental, considerada la mayor exponente del folklore argentino, cumbre de la Historia de la música folclórica de Argentina y una de las principales e infaltables cantantes de música popular de Latinoamérica.

Fundadora del Movimiento del Nuevo Cancionero y una de las exponentes de la Nueva canción latinoamericana. Incursionó en otros géneros como el tango, el rock y el pop. Se definía a sí misma como «cantora» antes que «cantante», en lo que fue una distinción fundamental de la nueva canción latinoamericana de la que ella fue una de las iniciadoras: «Cantante es el que puede y cantor el que debe» (Facundo Cabral).Ese ideal fue expresado por Mercedes Sosa en los títulos de sus álbumes como Canciones con fundamento y Yo no canto por cantar. Entre las interpretaciones con que se ha destacado en el cancionero latinoamericano se encuentran «Al Jardín de la República», «Canción con todos», «Alfonsina y el mar», «Gracias a la vida», «Como la cigarra», «Zamba para no morir», «La maza», «Todo cambia», «Duerme negrito», «Calle angosta».Entre sus discos se destacaron Canciones con fundamento (1965), Yo no canto por cantar (1966), Mujeres argentinas (1969), Homenaje a Violeta Parra (1971), Cantata sudamericana (1972), Mercedes Sosa interpreta a Atahualpa Yupanqui (1977), Mercedes Sosa en Argentina (1982), Alta fidelidad (1997) y su interpretación de la Misa criolla (2000). Su último trabajo es Cantora, lanzado poco antes de su muerte, un álbum doble donde interpreta 34 canciones a dúo con destacados cantantes iberoamericanos, y cierra con el Himno nacional argentino.

Su infancia y adolescencia en Tucumán.

Haydée Mercedes Sosa nació el 9 de julio en la ciudad de San Miguel de Tucumán. Cabe destacar que el 9 de julio es el Día de la Independencia de la Argentina y que el texto que declaró independiente al país se firmó también en Tucumán. Descendiente de calchaquies, su padre era un obrero de la industria azucarera que trabajaba en el ingenio Guzmán, mientras que su madre trabajaba de lavandera para familias más acomodadas.Originariamente sus padres habían acordado nombrarla Marta Mercedes, pero en el registro civil, su padre lo cambió por Haydeé Mercedes. Pese a ello, su madre, su familia y sus seres cercanos nunca utilizaron el nombre legal y siguieron llamándola Marta.

Mi mamá dice que mi papá se olvidó mi nombre adrede cuando me fue a inscribir al Registro Civil. Y me puso Haydeé Mercedes en vez de Marta Mercedes. Mi mamá quería que de primer nombre yo me llamara Marta. Así sin hache: Marta. Claro, como es lógico, en mi casa mandaba mi papá, pero claro, como es lógico, siempre se terminaba haciendo lo que quería mi mamá. Y entonces todos desde que me recuerdo me vienen llamando Marta. Soy la Marta, y me gusta mucho más ser la Marta que Mercedes Sosa. Esto nadie lo cree, pero es así... Al final, puertas adentro las cosas son como las madres quieren, y puertas afuera son como la gente manda. En mi casa definitivamente soy la Marta. Para la gente definitivamente soy la Negra.

Mercedes Sosa.

Ella misma cuenta cómo empezó a cantar un día de octubre de 1950:

Yo andaba por mis 15 años. Mi papá y mi mamá, que eran muy peronistas, aprovecharon un tren gratis a Buenos Aires para celebrar el 17 de Octubre [Día de la Lealtad Peronista]. Yo quedé cuidada por mis hermanos, más suelta… En la escuela faltó la profesora de canto y la directora me dijo que íbamos a cantar el Himno nacional y que yo tenía que ponerme adelante y cantar bien fuerte, para que todos me siguieran. Sentí vergüenza, pero canté: ahí debuté. Ese día también faltó la profesora de labores y con mis compañeras fuimos a LV12, donde había un concurso. Mis compañeras me empujaron para que cantara. Por temor a que se enterara mi papá me llamé Gladys Osorio. Canté Triste estoy, de Margarita Palacios. Cuando terminé, el dueño de la radio me dijo: «El concurso concluyó y lo ganaste vos». Y seguí cantando en la radio. Hasta que un día mi papá me descubre y me llama y me dice palabras que escucho ahora: «¿Le parece bonito eso de andar metiéndose en la radio? ¿Eso es lo que hace una señorita criada para ser decente? Gladys Osorio, venga, acérquese… ¿Tengo que felicitarla? Míreme a los ojos ¡Que me mire a los ojos le digo!».

Mercedes Sosa.

A partir de entonces se dedicó al canto, aunque siempre sentía un enorme pánico escénico cuando cantaba en público. En esa primera época, Mercedes tenía como referentes musicales a Margarita Palacios y a Antonio Tormo (el cantante que masificó la música folclórica en la Argentina a principios los años cincuenta). Sus actuaciones se repartían entre actos partidarios del peronismo, el circo de los Hermanos Medina, y la radio, donde cantaba boleros en el conjunto de los Hermanos Herrera, dirigido por Tito Cava.

Mendoza.

En 1957 se radicó en Mendoza a raíz de su matrimonio con el músico Oscar Matus, con quien tuvo un hijo, Fabián Matus. Matus y Mercedes establecieron una sociedad artística con el poeta y locutor Armando Tejada Gómez que resultaría de gran trascendencia artística y cultural. Mendoza resultaría uno de los tres lugares entrañables de Mercedes Sosa, junto a Tucumán y Buenos Aires. Allí «se hizo mujer», dijo ella misma, nació su hijo y se formó artísticamente. En su última voluntad pidió que sus cenizas se esparcieran en esos tres lugares. En Mendoza, el lugar elegido fueron los canales de riego de Guaymallén, el mismo lugar donde se arrojaron las cenizas del poeta Armando Tejada Gómez, quien ocupó un lugar decisivo en el arte de Mercedes. Junto a esos tres lugares, Mercedes Sosa también destacaba su afecto especial por Montevideo, donde fue tratada por primera vez como una gran cantante, en una serie de actuaciones que realizó en Radio El Espectador y en Canal 12:

En Tucumán están mis raíces, en Mendoza está mi felicidad, en Montevideo está mi primer reconocimiento como artista.

Mercedes Sosa.

Mercedes Sosa comenzó a cantar en una época, en la que el tango de Buenos Aires, que era la música popular por excelencia, estaba siendo alcanzado en popularidad por la música de raíz folklórica, característica de las provincias, en un fenómeno que es conocido como el boom del folklore, producido de la mano de la industrialización del país y la migración de millones de personas del campo a las ciudades y de las provincias hacia Buenos Aires. Este proceso conllevaba transformaciones étnicas y culturales en la población que diferían de las que produjera la inmigración mayoritariamente europea que se produjo entre 1850 y 1930.

En 1962, Mercedes Sosa lanzó su primer álbum, La voz de la zafra (la zafra es la cosecha de caña de azúcar, principal producción de Tucumán), grabado el año anterior y producido por RCA. El álbum fue grabado debido a la insistencia de Ben Molar, un músico polifacético vinculado a la música popular de Buenos Aires, quien reconoció el talento de la cantante tucumana y convenció a los directivos del sello RCA para realizar el disco, que sin embargo careció de difusión. El disco está integrado por ocho canciones de Matus-Tejada Gómez: «Los hombres del río», «La zafrera», «El río y tú», «Tropero padre», «Nocturna», «Zamba de los humildes» (o «La de los humildes»), «Zamba de la distancia» y «Selva sola», además de otras cuatro, entre las que se encuentran la guarania «Jangadero» (del misionero Ramón Ayala,quien escribió también la nota de contratapa), «El indio muerto» (de Gerardo López, cantante de Los Fronterizos) y dos temas con letra de Ben Molar, a pedido de Mercedes Sosa, «Recuerdos del Paraguay» y «Sin saber por qué».La canción «Nocturna» tiene una significación especial para Mercedes Sosa porque se trata de la canción que simbolizó el amor a primera vista con Oscar Matus (“Tú, junto al amor que nos separa, llenas mi dulce guitarra de oscura distancia... llevas mi voz en tu voz, triste y suave”). El mismo álbum fue luego reeditado bajo el título de Canta Mercedes Sosa. El álbum anticipaba una línea estético-cultural que sería expresamente formulada al año siguiente con el lanzamiento del Movimiento del Nuevo Cancionero, y que sería sintetizada con el título de su segundo álbum, Canciones con fundamento(1965), segundo disco del sello independiente El Grillo que intentaba consolidar Matus, compuesto ―al igual que el primero―, sobre la base de las canciones de Matus-Tejada Gómez.

Premios Grammy Latinos.

Dionisio Jesús Valdés Rodríguez, más conocido como Chucho Valdés (Quivicán, Cuba, 9 de octubre de 1941)es un pianista de jazz afrocubano, fundador del grupo Irakere. Su padre fue el también pianista de jazz afrocubano Bebo Valdés(1918-2013).

Biografía.

Ganador de ocho premios Grammy: cinco Grammy Awards y tres Grammy latinos y acreedor de muchos doctorados, Dionisio Jesús "Chucho" Valdés Rodríguez es natural de Quivicán, provincia Habana, Cuba. Nacido en 1941, el pianista, compositor, profesor de música, arreglista musical y director de grupo comenzó su formación musical en la infancia, en su casa, bajo la influencia de su padre "el gran Bebo Valdés", y su madre, Pilar Rodríguez, profesora de piano y cantante. A la edad de 3 años ya tocaba al piano las melodías que escuchaba en la radio, de oído, con las dos manos, en cualquier tono. El ambiente musical de la familia le permitió adentrarse con soltura en el conocimiento de los más diversos estilos y géneros de la música.

Estudios realizados.

A la edad de cinco años recibió clases de piano, teoría y solfeo con el profesor Oscar Muñoz Boufartique, estudios que culminaron en el Conservatorio Municipal de Música de la Habana a la edad de catorce años. Perfeccionó sus conocimientos en clases privadas con Zenaida Romeu, Rosario Franco, Federico Smith y en composición con Leo Brouwer.

Actividad profesional.

A la edad de quince años formó su primer trío de jazz con Emilio del Monte y Luis Rodríguez. En diciembre de 1958 trabajó como pianista en los hoteles Deauville y St. John de la Habana. En 1959, hizo su début con la orquesta "Sabor de Cuba" dirigida por su padre, con la cual acompañó a muchos importantes cantantes de la época como Rolando Laserie, Fernando Álvarez y Pío Leyva.

Entre 1961 y 1963 trabajó como pianista en el Teatro Martí, Salón Internacional del Hotel Habana Riviera y en la orquesta del Teatro Musical de la Habana . En este último año, y por recomendación de Leo Brouwer , creó simultáneamente su combo al que en 1965 le agregó un cantante llamado Amado Borcelá, más conocido como "Guapachá" trabajo con el que se abrió un nuevo camino en la música popular cubana: era como el preámbulo de Irakere ya que algunos de sus fundadores lo acompañaban. En 1967 incursiona en la Orquesta Cubana de Música Moderna, bajo la dirección de los maestros Armando Romeu y Rafael Somavilla. Maduran en Chucho sus conocimientos, consolidándose como líder del grupo. Dentro de la misma retoma la idea del combo, en formato quinteto y en 1970 debuta con el mismo en el Festival Internacional de Jazz Jamboree en Polonia, convirtiéndose en el primer grupo cubano que participó en un festival de este género en el extranjero, donde es felicitado por Dave Brubeck y ubicado Chucho, por primera vez, entre los cinco mejores pianistas del mundo junto a Bill Evans, Oscar Peterson, Herbie Hancock y Chick Corea. En 1972, después de grabar el LP "Jazz Batá" con Carlos del Puerto y Óscar Valdés, Chucho decide ampliar el formato añadiendo metales y batería, funda entonces en 1973 "Irakere", considerado el grupo más importante en la historia de la música cubana en la segunda mitad del siglo XX, una explosiva mezcla de jazz, rock, clasicismo y música tradicional cubana, un sonido nunca antes escuchado que revolucionó la música latina. Con Irakere desarrolló una amplia labor creadora que conjuga las raíces de nuestra música con los más contemporáneos medios expresivos, con obras de gran trascendencia como la "Misa Negra" y "Shaka Zulu", ambas para orquesta sinfónica e Irakere. En 1998 comenzó a trabajar con un formato cuarteto y la vocalista Mayra Caridad Valdés, con énfasis en el piano como solista y voz líder del mismo. Nuevas experimentaciones musicales lo llevan a concebir a finales de 2009 "Chucho Valdés y los Afro-Cuban Messengers", formato con el que grabó el multipremiado disco "Chucho´s Steps" con su sello Comanche y con el cual realizó exitosas gira mundiales entre 2010 y principios del 2012. En el recién concluido 2012 Chucho nos sorprende con su nuevo Quinteto, una combinación musical perfecta, mezcla de los insustituibles Yaroldy Abreu (percusión) y Dreiser Durruthy Bombalé (batá y voces), junto a la más joven generación del jazz cubano que proponen una dinámica increíblemente innovadora y contemporánea: Gastón Joya (bajo) y Rodney Barreto (batería). Con este formato acaba de grabar a finales del año su última producción discográfica “Border-free”, con su propio sello “Comanche” y también inauguró el 28 Festival Internacional Jazz Plaza, en lo que constituyó el preestreno en Cuba de dicho formato y del disco, con un rotundo éxito de crítica y de público.

Actividad docente y otras.

Habitualmente imparte clases como profesor titular en el Instituto Superior de Arte de la Habana y también en universidades de todo el mundo. En 2006 fue declarado Embajador de Buena Voluntad de la FAO ante la ONU en ceremonia realizada en el Vaticano, Roma. Desde entonces, da conciertos en la Habana cada mes de octubre, por el Día Mundial de la Alimentación. “Haití Volverá” es el tema musical que compuso y cuyos derechos cedió a la FAO para recaudar fondos a favor de las víctimas del huracán que devastó al país caribeño.

Giras internacionales.

Giras por todos los continentes y actuaciones en los más famosos escenarios del mundo, sustentan el reconocimiento a su extraordinaria labor interpretativa, considerada por la crítica especializada como uno de los mejores pianistas del mundo. El Carnegie Hall, Kennedy Center, Lincoln Center, Hollywood Bowl, Blue Note NY, Village Vanguard, el teatro Colón de Buenos Aires, entre otros; y compartiendo con músicos excepcionales de la talla de Herbie Hancock a dos pianos, Billy Taylor, Kenny Barron, Michel Legrand, Frank Emilio, Michel Camilo, Chano Domínguez, Marian Marpartlan, Mulgrew Miller, John Lewis, Chick Corea, Gonzalo Rubalcaba, Brandford y Wynton Marsalis, Carlos Santana, Joe Lovano, Grover Washington Jr., Dizzy Gillespie , Hugh Fraser, David Sánchez, George Benson, Taj Mahal, Max Roach, Jack Dejonnette, Ron Carter, Idris Muhamed, Eddie Gómez, Gato Barbieri, Giovanni Hidalgo, Tito Puente y con las orquestas del Lincoln Center Big Band, Village Vanguard Orchestra, John Clayton Big Band y la orquesta de Machito, entre otras. Escenarios en Londres, París, Turquía, Portugal, Grecia y el Líbano, junto a Michel Legrand han acogido sus actuaciones. En España, entre otras presentaciones, ha girado promocionalmente con Pablo Milanés, presentando el CD "Más allá de todo" y también presentó con su padre Bebo el famoso CD "Juntos para siempre", en nueve conciertos. En 2009 Chucho se presentó ante 12.000 personas en el concierto de la Plaza Catedral en Ciudad de Panamá y en los escenarios más prestigiosos de Canadá, Europa, Asia y Australia.

En el recién finalizado 2012 actuó en Costa Rica, Canadá, Italia, Suiza, Austria, Alemania, España, Japón; y Panamá, junto a la cantante cubana Omara Portuondo. Durante Enero-Febrero realizó, con sus Mensajeros Afrocubanos veinte y dos conciertos en treinta días, de costa a costa de EE.UU que incluyó su regreso al famoso escenario del Carnegie Hall de Nueva York, luego de treinta y cuatro años de ausencia, (junto a la cantante española Concha Buika), promocionando el CD de ambos “El último trago” y su propio disco “Chucho´s Steps”; ofreció además conciertos, clínicas y conferencias en universidades. A finales de año, otra intensa gira de presentaciones lo ocupaba por más de veinte y cuatro ciudades estadounidenses, incluyendo el retorno al Carnegie Hall Neoyorquino, en su tercera presentación a capacidad completa vendida. En el conocido como “Templo del Jazz” fue anfitrión de un Festival o velada cubana en la que presentó, junto a su Quinteto, a dos de los mejores jóvenes talentos cubanos, Aldito López Gavilán y Dayramir González y a una de las agrupaciones abanderadas de la tradición rumbera en Cuba, Yoruba Andabo. Luego sucedió una presentación muy especial con otros tres grandes pianistas latinos: el brasileño Egberto Gismonti, el panameño Danilo Pérez y el cubano Gonzalo Rubalcaba, en un histórico concierto a cuatro pianos sin precedentes considerado por el New York times como uno de los mejores conciertos del año 2012 en los Estados Unidos. El año que comienza impone para Chucho Valdés el reto de nuevas y múltiples presentaciones internacionales por todo el mundo, incluyendo la primera vez para un cubano en Nueva Zelandia; y entre otros países: Rusia, Japón, Indonesia, España, Bulgaria, Alemania, Inglaterra, Francia, Italia, Australia, Canadá, EE.UU, Portugal, Suiza.

Discografía.

En 1964 grabó su primer LP titulado “Jazz Nocturno” (Descarga, vol.I), como Chucho Valdés y su Combo (preámbulo de Irakere) Irakere ha sido el primer grupo musical cubano en obtener un premio Grammy Award en la categoría Mejor Grabación Latina, en 1979 por el LP "Misa Negra" Ha grabado un promedio de 88 discos y más de 50 colaboraciones con otros proyectos discográficos. Hasta el momento cuenta con diez y nueve nominaciones y ocho premios Grammy : - Misa Negra (1979) Grammy Award - Habana Crisol (1997) Grammy Award - Live at Village Vanguard (2000) Grammy Award - Canciones Inéditas (2002) Grammy Latino - Nuevas Concepciones (2004) Grammy Latino - Juntos para siempre (2009-2010) Grammy Latino y Grammy Award - Chucho´s Steps (2011) Grammy Award Chucho´s Steps también obtuvo el GRAN PREMIO EXTRAORDINARIO CUBADISCO 2012, la Feria del Disco Cubano. Su más reciente producción fonográfica va a cuenta nuevamente de su propio sello “Comanche”, bajo el título “Border-free” (Sin fronteras), grabado en los estudios Abdala de Cuba, en diciembre de 2012 y en proceso actual de mezcla en sus estudios de Málaga. El fonograma incluye, además de la música inédita, un tema de la cubana Ernestina Lecuona versionado por Chucho y al decir del Maestro "responde a la medida de lo que quiero expresar, pues mi música no tiene un formato cerrado”.

Premios y reconocimientos.

Por el sostenido virtuosismo demostrado en el instrumento ha sido acreedor de numerosos premios como solista en diferentes festivales internacionales. Entre otras distinciones y reconocimientos, ha recibido además: - Hijo Ilustre de Quivicán, Cuba - Doctor Honoris Causa de la Universidad de Victoria en Canadá, 1997. - "Orden Félix Varela" de primer grado por sus relevantes méritos artísticos, otorgada por el Consejo de Estado de la República de Cuba, 1998 - Doctor Honoris Causa en Artes en el 2000 y - Distinción al Mérito Pedagógico en 2001, ambos otorgados por el Instituto Superior de Arte de la Habana, ISA. - Premio Nacional de Música (compartido con Leo Brouwer) en su primera edición, año 2000. - Fue inscripto en el Hall de la fama del Jazz Latino en los Ángeles, en ceremonia junto a Tito Puente, Eddie Palmieri y Shiffrin Lalo, en 2000. - Premio de la música de España en categoría Jazz 2009 por el CD "Juntos para siempre", grabado con su padre Bebo Valdés bajo el sello calle 54 . - Doctor Honoris Causa del Berklee College of Music de Boston, EE.UU, junto a su padre Bebo Valdés en mayo 2011. - En junio de 2011 fue nombrado Visitante de Honor de la ciudad de Buenos Aires, Argentina. - La Diputación de Málaga lo nombró Hijo Adoptivo de la Provincia, 2012 - Reconocimiento Gitana Tropical, Dirección Provincial de Cultura de La Habana, 2012. Ha recibido las llaves de las ciudades: Ponce (Puerto Rico), los Ángeles, San Francisco, New Orleáns y el Madison, (EE.UU.) y Ciudad Panamá, entre otras. Chucho Valdés, proclamado en 2012 por el New York Times como "el Decano del Jazz Latino” es también uno de los protagonistas (junto a su compatriota Gonzalo Rubalcaba y el dominicano Michel Camilo ) del documental “Playing Lecuona”, una coproducción cubano-española, rodada en diferentes escenarios del mundo y que se estrenará próximamente. Otra novedad es la fabricación de los primeros ocho pianos marca “Chucho” en Japón. Los diseñadores y fabricantes tuvieron en cuenta el sonido del jazz latino. No existían antecedentes de la construcción de un instrumento de música destinado exclusivamente a los intérpretes del jazz. Este proyecto nació de la idea del japonés Sakai, un fabricante y reparador de pianos, después de asistir a un concierto del afamado jazzista, quien, según la crítica especializada se proyecta siempre “Sín límites”.

Premios y distinciones.

Grammy.

Chucho ha ganado premios Grammy en cuatro ocasiones:

• en 1979 con Irakere y el álbum del mismo nombre.
• en 1997 con Roy Hargrove's Crisol y el álbum Habana.
• en 2000 con en álbum Live At The Village Vanguard.
• en 2009 en la edición de los Grammy Latino con en álbum Juntos para siempre, esta vez compartió honores con su padre Bebo Valdés.

Otros Premios y distinciones.

• Premio Nacional de la Música en Cuba
• Doctor Honoris Causa en el Instituto Superior de Arte de La Habana
• Distinción al Mérito Pedagógico en el Instituto Superior de Arte de La Habana
• Medalla Félix Varela (máxima distinción de la cultura cubana)

Dionisio Ramón Emilio Valdés Amaro, más conocido como Bebo Valdés (Quivicán, Cuba, 9 de octubre de 1918 - Estocolmo, Suecia, 22 de marzo de 2013)fue un músico de música cubana y jazz afrocubano, considerado como una de las figuras centrales de la época dorada de la música cubana. Además de pianista, su faceta más conocida, ha sido compositor, arreglista y director de orquesta. Fue padre del también pianista de jazz afrocubano Chucho Valdés(n. 1941).

	9 de octubre de 1918, Quivicán, Cuba

De 1931 a 1935 estudia el piano en su pueblo natal con Moraima González; en 1936 se traslada con su familia para La Habana, donde fue alumno de solfeo, armonía y composición con Oscar Bofartigue. En 1938 hizo su debut profesional con la orquesta de Happy D’Ulacia. Tocó en La Habana, desde los años cuarenta, en las orquestas Ulacia, García Curbelo, Julio Cueva y Orquesta Tropicana, y grabó discos con grupos dedicados a interpretar jazz afrocubano.Conocido entre sus familiares y amigos con el apelativo cariñoso de Caballón por su considerable estatura, compuso mambos, como La rareza del siglo, que reviste el género recién introducido por Pérez Prado y que cambiaría el curso de la música cubana. A partir de 1948, y hasta 1957, trabaja en el cabaret Tropicana como pianista y arreglista de Rita Montaner. La orquesta Sabor de Cuba, de Bebo Valdés, y la de Armando Romeu, hacían el show de este centro nocturno, en el cual Valdés deja de actuar en 1957, al ser contratado por Ernesto Roca, de la Peer Internationtal Music Publishers, para hacer arreglos a Xiomara Alfaro y Pío Leyva; a la vez, se une a Guillermo Álvarez Guedez, de la Panart y a Rolando Laserie en Radio Progreso. Con su orquesta Sabor de Cuba, acompañó a los cantantes Reinaldo Henríquez, Orlando Guerra (Cascarita), Pío Leyva y Ada Rex; también cantó con esta agrupación Beny Moré, y debutó Chucho Valdés.

Sobre la descarga o jam sesión, existen múltiples versiones, esta es la de Bebo Valdés que, por la concresión de datos, fechas y casas disqueras que hicieron las grabaciones, es la más objetiva: “Una noche del mes de octubre de 1952, descansaba en un cabaret de La Habana con miembros de la orquesta del Tropicana. Hay que saber que desde 1948, músicos cubanos, mexicanos o hasta estadounidenses se reunían los domingos por las tardes en el Tropicana para hacer descargas, en el curso de las cuales mezclábamos jazz y ritmos cubanos. A veces las descargas se celebraban a las cuatro de la mañana, al terminar la función [de Tropicana]. El que las animaba era el percusionista Guillermo Barreto; habíamos recibido a Roy Haynes, Kenny Drew, Sarah Vaughan, Richard Davis y muchos otros músicos de paso; de hecho, todos los grandes nombres del jazz desfilaron por el Tropicana. Todo eso habría podido grabarse, pero nadie se interesó. Así, esa noche Irving Price, el propietario de una tienda de discos de la calle Galiano, me anuncia que el productor Norman Granz está en la ciudad y que no puede creer que los músicos cubanos sean capaces de tocas jazz […]. Granz y Price me piden ir al estudio para grabar. Era el 16 de septiembre de 1952. Así, convoqué a unos músicos, pero yo mismo llegué retrasado a la sesión, pues por la mañana tenía otra grabación para la RCA: ¡Iba yo a acompañar a una cantante! Cuando finalmente llegué al estudio de Panart, Granz ya se había ido a los Estados Unidos. A la orquesta la llamamos The Andre’s All Star, por el nombre de la tienda de discos de Irving Price. Habíamos decidido tocar temas de jazz clásico, como Desconfianza, Tabú, Duerme y Blues for André. Al término de la sesión, como aún quedaban algunos minutos disponibles para el disco, me puse a tocar un riff, a partir del cual improvisamos […]. A ese tema le llamamos "Con poco coco.” El disco se tituló Cubano!, y los músicos participantes eran todos del cabaret Tropicana: Gustavo Más, saxofón tenor; Alejandro Vivar (El Negro Vivar), trompeta; Kiki Hernández, contrabajo; Guillermo Barreto, timbal; Rolando Alfonso, tumbadora y Bebo Valdés, piano. Las obras que contiene son las mismas que menciona Bebo Valdés, y el sello, Mercury. En 1955, Bebo Valdés graba, en los estudios de Radio Progreso, Holiday Habana y She Adores the Latin Type, para el sello Decca, que contenía mambo, chachachá, bolero, descarga de jazz, incluso, jazz con tendencia al bebop.

Según Luc Delannoy, en 1956 la Panart graba Cuban Jam Session, con Julio Gutiérrez y Pedro Jústiz (Peruchín), como directores, y los músicos Alejandro Vivar (El Negro Vivar), Edilberto Escrich, Osvaldo Urrutia (Mosquifin), Emilio Peñalver, José Silva (CHombo), Juan Pablo Miranda, Salvador Vivar, Jesús Esquijarrosa (Chucho), Oscar Valdés, padre, Marcelino Valdés, Walfredo de los Reyes y José Antonio Méndez. La participación de Israel López (Cachao) en una descarga, no ocurre hasta 1957, cuando la Panart graba Descargas cubanas, con la participación del propio Cachao, Guillermo Barreto, Gustavo Tamayo, Rogelio Iglesias, Richard Egües, Andrés Hechavarría (El Niño Rivera), Rolito Pérez, Alfredo León, Arístides Soto (Tata Güines), Alejandro vivar (El Negro Vivar), Generoso Jiménez, Orestes López (Macho), Emilio Peñalver y Virgilio Vixama. Se sucedieron, en otros años, grabaciones de descargas, y algunas no grabadas, como las que recuerda Leonardo Acosta en el Club Cubano de Jazz, celebrada entre 1958 y 1960, con la participación de Pedro Jústiz (Peruchín), piano; Guillermo Barreto, batería y pailas, y Arístides Soto (Tata Güines), tumbadora. Esto viene a demostrar –o al menos mostrar otra cara de la moneda-, que fue Bebo Valdés uno de los iniciadores de la descarga en Cuba, recurso que utilizaron músicos cubanos en los más diversos formatos instrumentales, géneros y estilos de nuestra música popular, como, por ejemplo, lo hicieron los compositores del movimiento filin. El 8 de junio de 1952, con una banda de veinte músicos, Bebo da a conocer, en los estudios de RHC Cadena Azul, el ritmo batanga; entre los tres cantantes que integran la orquesta, se encuentra Beny Moré. Ese mismo año viaja a México con el objeto de grabar un disco con esta nueva modalidad de la música cubana, que incluía además, una nueva coreografía; no tuvieron éxito, y, según, Bebo Valdés, “la batanga murió de muerte natural”. Al abandonar Cuba en 1960 por discrepancias con el gobierno cubano Bebo también abandonó a su familia, a su esposa Pilar Valdés y a sus cinco hijos (entre ellos a Chucho). Bebo Valdés marcha a México, posteriormente se traslada a Los Ángeles, California, donde trabaja con el cantante Miguelito Valdés; de ahí viaja a España, y allí graba dos álbumes como director de la orquesta que acompaña al cantante chileno Lucho Gatica. Más tarde realiza una gira con la Lecuona Cuban Boys por Inglaterra, Francia, Holanda, Alemania y Finlandia. En 1963 se establece en Suecia, y trabaja con la orquesta Hatuey, agrupación sueca que toca música cubana. En Suecia formó una nueva familia al casarse en 1963.

Carrera internacional.

Tras treinta años de relativo anonimato, el 25 de noviembre de 1994, Valdés recibió una llamada de Paquito D'Rivera, quien le invita a grabar un nuevo disco en Alemania por el selllo Messidor. Se produce un nuevo inicio en su carrera a los 76 años con la grabación de Bebo Rides Again. Participó en el film de Fernando Trueba Calle 54, junto a, entre otros, el pianista y compositor Chucho Valdés, Paquito D’Rivera, Elaine Elías, Chano Domínguez, Jerry González, Michel Camilo, Leandro J. Barbieri (Gato Barbieri), Ernesto Antonio Puente (Tito Puente), Arturo O’Farrill (Chico), Israel López (Cachao), Orlando Ríos (Puntilla) y Carlos Valdés (Patato). En el 2004 viaja a Salvador de Bahia, Brasil, para participar en el filme de Trueba El milagro de Candeal, junto a Carlinhos Brown, Marisa Monte, Mateus Aleluia y César Méndes.

Músico integral capaz de abordar los más diversos géneros y estilos de la música, no solo como pianista y compositor, sino también como orquestador y director de orquesta de subidos valores; de sólida formación técnica, tanto teórica como pianística, Bebo Valdés es uno de los grandes de la música cubana de todos los tiempos. Fue, con Israel López (Cachao) y Patato Valdés, nominado al Premio Grammy Latino por El arte del sabor, mejor álbum tropical tradicional 2002. En 2002, Fernando Trueba produjo Lágrimas negras, disco que une al cantaor flamenco Diego el Cigala con Bebo Valdés al piano. Tras su publicación en 2003 se convirtió en un éxito internacional reconocido con un Grammy, tres Premios de la Música, un Premio Ondas, cinco Premios Amigo, tres Discos de Platino en España y uno en Argentina, México y Venezuela. El diario The New York Times lo alaba como Mejor disco del año en el apartado de música latina y les abre las puertas a una gira por, entre otras, París, Nueva York, Londres, La Habana, Buenos Aires, Tokio, México DF, Madrid y Barcelona. A finales de 2004 el disco había vendido más de 700.000 copias en todo el mundo.Se retiró a Benalmádena, un pueblo de la provincia de Málaga (España), hasta que falleció en Estocolmo (Suecia) el 22 de marzo de 2013.

Maru Valdivieso (n. 3 de mayo de 1964) (50 años), actriz española. Estudió COU en el Colegio Valdeluz de Madrid. Ha estudiado arte dramático con Cristina Rota, Dina Roth y Concha Doñaque, y también comenzó la carrera de Derecho. En cine destaca su trabajo en la película Los amantes del círculo polar (1998), de Julio Médem. Ha participado en numerosos montajes teatrales y series de televisión.

Filmografía.

• Sahara (1985), de Antonio R. Cabal.
• Mahuliena, zlatá panna (1986), de Miloslav Luther.
• Iniciativa privada (1986), de Antonio A. Farré.
• SSS (1988), de Santiago Aguilar y Luis Guridi.
• Iguana (1988), de Monte Hellman.
• Loco veneno (1989), de Miguel Hermoso.
• Barcelona, lament (1991), de Luis Aller.
• Lazos (1994), de Alfonso Ungría.
• Una primavera fuera de serie (1996), de Ingrid Asensio.
• Los amantes del Círculo Polar (1998), de Julio Médem.
• Carlota (2000), de Pedro Amalio López.
• Kasbah (2000), de Mariano Barroso.
• La gran vida (2000), de Antonio Cuadri.
• Iguana (película)Clara (2002), de Antonio Cuadri.
• Eres mi héroe (2003), de Antonio Cuadri.
• Mónica (2003), de Eduard Cortés.
• Chatarra (2004), de Rodrigo Rodero.
• Rapados (2004), de Román Parrado.
• Vida y color (2005), de Santiago Tabernero.
• Segundo asalto (2005), de Daniel Cebrián.
• Películas para no dormir: Cuento de navidad (2005), de Paco Plaza.
• Seis o siete veranos (2007), de Rodrigo Rodero.

Televisión.

• Pájaro en una tormenta (1989)
• Tango (1991)
• El oro y el barro (1992)
• Éste es mi barrio (1996-1997)
• A las once en casa (1998)
• Médico de familia (1999)
• Robles, investigador (2000)
• Carlota (2000)
• El grupo (2000-2001)
• El comisario (2002)
• Código fuego (2003)
• Hospital Central (2004, 2007)
• Ángel o demonio (2011)
• La fuga (2012)

Teatro.

• Cenizas (1987) de Janizk Glowak.
• La ex mujer de mi vida (1992) de Josiane Balasko.
• Bailando en verano (1993) de Brian Friel.
• La noche de las tríbadas (1994) de Per Olov Enquist.
• Fortunata y Jacinta (1994) de Benito Pérez Galdós.^[1]
• Picospardo's (1995) de Javier Garcà Mauriño.
• Don Juan Tenorio (1995) de Jose Zorrilla.
• El anzuelo de Fenisa (1997) de Lope de Vega.
• Las criadas (2002) de Jean Genet.
• Despertares y celebraciones (2004).
• A Electra le sienta bien el luto (2006) de Eugene O'Neill.
• Así es (si así os parece) (2007) de Luigi Pirandello.
• Los Cenci (2013) de Antonin Artaud.